Закусочная Алексея Калугина

Дело происходит в Лос-Аеджелесе в 1981 году. В престижной частной школе выпускники доучиваются последние дни и готовятся к выпускному балу. В это время в школе появляется новый ученик — очень странный тип, который пытается манипулировать всеми окружающими, и, в общем, у него это неплохо получается. Одновременно с этим в городе появляется маньяк-убийца, охотящийся на молоденьких девочек. Школьники с какого-то перепугу решают, что их новый одноклассник и есть тот самый маньяк.

По большому счету, сериал «Осколки» — это ни что иное, как сильно затянутый пересказ фильма Спайка Ли «Кровавое лето Сэма». Вся разница только в том, что создатели сериала решили перенести действия в школьную среду. Хотя сделали они это очень неумело и странно. Прежде всего, пятнадцатилетних школьников, как обычно играют тридцатилетние дядьки и тетки. Почему это сделано, понятно — чтобы ввернуть в сериал секс и наркотики, — но смотрится это все равно дико. История с маньяком то и дело вытесняется на периферию проблемами школьников. Вот только проблемы эти очень странные. Дело в том, что ведут себя эти «школьники», как взрослые — соответственно и проблемы у них тоже взрослые — с кем бы трахнуться, где бы достать наркоты и как бы закатить очередную вечеринку. То есть, герои сериала выглядят как взрослые и ведут себя совершенно по-взрослому, но зрителя пытаются убедить, что они — дети. Какой в этом смысл — непонятно.

Сериал снят в какой- то странной, полугротескной манере, из-за чего персонажи здорово смахивают на идиотов, а и все происходящее на экране вызывает недоверие. Кроме того, создатели сериала так и не раскрыли до конца ни одну из заявленных тем. И вообще непонятно, какова, по их замыслу, была целевая аудитория сериала? Кого они собирались всем этим удивить? И чем именно они собирались удивлять? Сериал очень похож на пирог, у которого сверху корочка схватилась, а внутри — все сырое, да и начинка какая-то непонятная.

Я досмотрел «Осколки» до конца, должно быть, лишь для того, чтобы в конце с облегчением вздохнуть и сказать самому себе: Ну, вот, так и знал, что будет фигня. В этом тоже есть какой-то своеобразный кайф — убедиться, что твои ожидания оправдались.

Робин Трауэр не устает удивлять — каждый год выдает новый диск, еще лучше и крепче сделанный, чем предыдущий, хотя, казалось бы, куда уж дальше! Не меняя стилистики, Трауэр идет вперед и вверх. «Shine» — очередной блюз-роковый альбом от мастера гитары и основателя легендарной группы Procol Harum. Чем он отличается от предыдущих работ Трауэра? Тем, что звучание стало еще более мощным и агрессивным, а гитара — еще более чище и безупречнее.  В остальном же — это вся та же классика блюз-рока. Все треки на альбоме оригинальные, но Трауэр подобен царь Мидас, только со знаком плюс: к чему не при тронется — все тут же становится классикой. Бесподобная работа.

Этот фильм поверг меня в шок и трепет — потому что я ничего в нем не понял. Вот, вообще ничего. Абсолютно! Согласитесь, такое редко случается. Бывает, ускользает основная идея фильма, но при этом более или менее ясны мотивы действий героев. Или, наоборот, понятно, что хотел сказать режиссер, а вот средства, выбранные им для этого, загоняют разум в тупик. А, вот здесь — вообще ничего!

Снял фильм греческий режиссер Ромен Гаврас, разумеется, по собственному сценарию. До этого он снял несколько фильмов в Канаде и Франции, но я их не видел, так что, ничего не могу сказать о творческом пути создателя «Жертвы обстоятельств». Но то, ч то он снял на этот раз — это, конечно, нечто!

Все начинается с того, что группа каких-то отбитых эко-активистов, выбравшаяся откуда-то из темного леса, с «калашами» в руках заявляется на эко-форум крупного бизнесмена, где сначала берет в заложники всех присутствующих, а затем уходит, но забирает с собой троих — главу компании, известного актера и танцовщицу из кордебалета. Эко-активисты собираются принести эту троицу в жертву, сбросив их в жерло вулкана, дабы предотвратить его извержение, результатом которого, по их глубокому убеждению, должна стать гибель большей части человечества. Дальше следуют какие-то непонятные разборки, в ходе которых выясняется, что танцовщицу в качестве жертвы должна заменить предводительница эко-банды, на что та с радостью соглашается. Бизнесмена сбрасывают в вулкан силой, эко-активистка прыгает в него сама — в живых остается только актер, так как является кавалерия на вертолетах и спасает его. Все, конец фильма.

Что это было, я вообще не понял. О чем это? Про кого это? Для кого это?,. Нет ответов. Можно было бы подумать, что режиссер и сценарист пытался поднять проблемы экологии — так ведь, нет, ни фига подобного, в фильме все много говорят об экологии, но это все пустопорожние фразы.По моему глубокому убеждению, в фильма «Жертва обстоятельств» нет вообще никакого смысла, ни большого, ни маленького — и в этом смысле он уникален! А жертвами обстоятельств являются зрители, которые сподобились посмотреть это кино.

С визуальной очки зрения фильм весьма посредственный. Картинка — так себе, режиссура — вялая и невыразительная. Режиссер явно не стремился поразить зрителей какими-то яркими и необычными визуальными эффектами. К чему же он тогда стремился? — это вопрос на миллион долларов!

Что совсем уж удивительно, в фильме присутствует весьма приличный набор известных актеров: Венсан Кассель, Дэон Малкович, Крис Эванс, Сальма Хайек, Аня Тейлор-Джой — что все они там делают, совершенно непонятно. Единственное, что приходит в голову, либо они все подписали договоры на съемку после какого-нибудь банкета, находясь в состоянии грогги, либо просто по приколу решили, а давайте-ка снимемся в этом фигне, прикольно же будет! Все будут ждать хоть какого-то смысла — а его просто нет! Ну, просто потому что изначально таковая функция не была заложена.

Stick Men — это супергруппа, участники которого не нуждаются в представлении: Тони Левин, Майкл Бернье и Пэт Мастелотто. Все трое — участники группы King Crimson, поэтому и стилистика Stick Men лежит в той же плоскости, что и музыка поздних «кримсонов». Поклонники «алого прогрессива» должны быть в восторге — также много джаза и мощных, ритмичных всплесков, авангардных моментов и многомерных звуковых ландшафтов.

 «Let’s THRAK Again» — первая студийная запись Stick Men за более чем десять лет. Альбом выпущен в двух вариантах. Первый, Reel One, смикшированный Стефано Кастаньей, представляет собой последовательность треков, разработанную Тони Левином, и фокусируется на очень специфическом звуковом видении и философии. Второй, Reel Two, смикшированный Фабио Трентини, представляет собой другую последовательность, составленную Мастелотто и Ройтером, и использует совершенно иные звуковые решения и аудиоподходы. С учетом необычности звучания Stick Men, каждый альбом слушается как оригинальная работа — это две совершенно разные версии одного и того же записанного материала.

Уже из названия понятно, что «Let’s THRAK Again»- это оммаж альбому «THRAK» группы King Crimson 1995 года, созданная с одобрения с благословения Роберта Фриппа. Это отнюдь не сборник каверов — трио постаралось воссоздать тот же контролируемый хаос и энергию оригинального альбома, описав его как «инструментальную камерную музыку». Они сочинили и аранжировали двенадцать треков для живого исполнения в составе трио, с минимальным использованием сэмплов и прочей электроники.

В целом, стиль альбома можно определить, как тяжелый прогрессив с элементами индастриала, арт-рока и авангардного метала. Треки отличаются сложной структурой и необычными размерами, движимые мощными, массивными риффами. За счет сочетание мелодических линий и мощного баса трое исполнителей создают плотное, насыщенное оркестровое звучание. Любой из треков удивит вас и даже заставить задуматься: что же, черт возьми, только что произошло? Потому как то, что делают Stick Men зачастую кажется не просто невероятным, а почти невозможным.

 «Let’s THRAK Again» — триумфальное возвращение великой группы, от которого снесет крышу всем поклонникам King Crimson! Stick Men продолжают двигаться вперед, не забывая о своих корнях.

Почему «Пасть» если в оригинале «Голод»? Фиг его знает. По сути, фильм вообще надо было назвать «Бегемот — и точка» — как в отечественном суррогатном заменителе Макдональдса.

Перед нами очередной фильм о выживании на фоне дикой природы, населенной всякими злыми и голодными тварями. Кто только не пытался съесть несчастных туристов — и медведи их драли, и акулы кусали, и крокодилы жевали, и пираньи разделывали, и львы с гиенами терзали, и анаконды душили, а еще волки, собаки, бешеные еноты и слетевшие с катушек Винни Пух с Пятачком. Все это уже надоело, решили создатели «Пасти», нужно придумать что-нибудь новое. Так пусть будет бегемот — такого прежде не было! Однако, ехать в Африку далеко да и накладно, поэтому решено было затащить бегемотов в наши, то бишь, их, создателей, родные края. Была даже придумана история о госпроекте, в соответствии с которым бегемотов пытались разводить в болотах Луизианы. Проект был закрыт, но бегемоты сами по себе неплохо адаптировались к местным условиям. Да так адаптировались, что принялись жрать крокодилов. А когда крокодилов стало недоставать, они принялись за туристов.

Фильм представляет собой историю группы туристов, попавших в пасть голодному бегемоту. То, что бегемоты вообще-то травоядные — это, конечно, фигня. Туристы — они ведь те же самые овощи. Хотя, нет, персонажи «Пасти» ведут себя вполне достойно, по сравнению с другими, спасавшимися от акул, крокодилов и прочей напасти. А вот спецэффекты в фильме совсем никакие. Снятые подобным образом сцены нападения бегемотов на туристов могли бы произвести впечатление разве что только в далекие 80-е — нынче это совсем не смотрится.

Ну, что тут сказать — идея с бегемотами сама по себе кажется вполне забавной, можно было бы снять неплохую комедию. Однако, «Пасть» снимали на вполне серьезных щах — и это уже было глупо. Плохие спецэффекты и совершенно непроработанная драматургия окончательно убили кино.

Насколько меня порадовала первая ипишка, выпущенная шведской группой Velveteen Queen в 2023 году, настолько же разочаровали их последующие полноформатные работы, включая самый свежий на данный момент альбом «The Greater Good». Если на первом миниальбоме группа исполняла классический, но очень современно звучащий хард, лихой и забойный, то на последующих альбомах их потянула в сторону метала. А вот метал у них получается, мягко говоря, никакой. Вернее, это даже не метал в чистом виде, а какая-то вялая и невыразительная смесь метала с хард-роком. До нельзя манерно, но при этом скучно, серо, и совершенно не забористо.

На это раз локализаторы ни чуть не погрешили против истины — корабль действительно плывет в Пусан. И фильм — корейский. И он про зомби, ну, или про каких-то странных существ, очень на них похожих. Вот только к знаменитому «Поезду в Пусан» этот фильм никакого отношения не имеет. Более того, «Корабль» значительно уступает «Поезду» с художественной точки зрения.

Итак, корабль отплывает в Пусан. Но прежде на него погрузили ученых, сопровождающих нечто вроде чудовища Франкенштейна, созданного в рамках военной программы, а заодно — кучу особо опасных преступников. Чувствуете, уже тянет идиотизмом — на одном корабле перевозят дорогостоящий и суперсекретный военный проект и кучу тюремного отребья — такое может случиться только в кино, да и то, не в очень хорошем. Дальше начинается классический бардак — уголовники вырываются на волю, а заодно выпускают и «Франкенштейна», который убивает всех, кто подворачивается по для руку, а кого просто покусает — те превращаются в зомби.

Собственно, это все. Разумеется, на корабле находятся герои, которые ведут борьбу со злом. Разумеется, хорошие парни в конце концов победят. Конечно же, в фильме много крови и расчлененки. Кстати, после просмотра «Корабля в Пусан» у меня появилось подозрение, что в корейцах крови гораздо больше, чем в ком либо еще, потому как течет она из них даже не ручьем, а бурно речкой.

В общем, в фильме много чего есть, но нет главного — даже намека на драматургию. А без нее действия остаются просто действиями, наблюдать за которыми очень скоро надоедает, даже при условии, что сняты они, в целом, довольно живенько.

На мой взгляд, «Корабль в Пусан» — это откровенная эксплуатация темы и попытка повторить «Поезд в Пусан», перенеся действие на море. Ничего не получилось. Вернее, получилась дребедень. Получить истинное удовольствие от этого фильма смогут только совершенно оголтелые фанаты зомбо-слэшеров.

Moonsoon — это скорее творческий дуэт музыкантов из Норвегии Хельге Нюхейма и Даниэля Хауге, дополненный большой группой приглашенных музыкантов, нежели обычный коллектив с постоянным составом. Нюхейм — барабанщик, вокалист и художник из Бергена, много лет работал с музыкантами разных направлений, именно его ударные и вокал стали фундаментом звучания группы. Хауге — соавтор песен, продюсер и аранжировщик, он отвечал за существенную часть художественной концепции, звуковую драматургию, сведение и мастеринг альбома. Тем не менее, группа делает ставку не только на студийную атмосферу, но и на концертное исполнение — критики особо отмечают, что их музыка рассчитана на сцену.

Основное определение для стиля Moonsoon — прогрессивный рок с элементами арт-рока и спейс-рока. Их музыка строится вокруг длинных композиций, повторяющихся тем, контрастов и постепенного развития атмосферы. Протяжные, меланхоличные гитарные соло, медитативные фрагменты, пространственные эффект, сложные аранжировки, смена динамики, инструментальные вступления и эпилоги, развернутые композиции — что нам все это напоминает? Правильно, Pink Floyd! Эффект узнавания дополняется эмоциональными саксофонными соло, а также специальное гостевое участие Иэна Ричи, саксофониста и флейтиста, работавшего с Роджером Уотерсом и продюсировавшего его альбом Radio KAOS. Влияния, оказанное великой группой на этот альбом, становится очевидным после композиции «Ones and Zeroes» с бессловесным женским вокалом, напоминающим «The Great Gig in the Sky».

Тем не менее, Moonsoon вовсе не трибют-группа, а творческий коллектив, развивающий собственные темы и идеи. Дебютный альбом группы «East of Asteroid» можно описать как музыку для слушателей, которым нравятся Pink Floyd, ранний и современный прогрессивный рок, космический арт-рок, атмосферные клавишные партии и концептуальные альбомы. Их сильная сторона — не виртуозность ради виртуозности, а создание цельного, немного мрачного и фантастического мира. При этом группа сознательно работает внутри знакомой прогрессивной традиции: музыканты скорее развивает эстетику Pink Floyd, нежели изобретают новый жанр.

В целом, мне понравилось. Даже очень. уже прослушал альбом раз шесть или семь, и точно буду слушать еще.

В американском кино мороженщик, как персонаж слэшера, уступает в популярности разве что только клоуну. Почему-то у нас дети клоунов не боятся, мороженщиков, разъезжающих по улицах на своих автомобильчиках с огоньками и колокольчиками, у нас и в помине нет. Я думаю, если бы у нас был популярен слэшер, то любимым персонажем всех детей и взрослых был бы не клоун и не мороженщик, а стоматолог. На худо конец — доставщик пиццы.

Очередной фильм про мороженщика заслуживает внимания уже хотя бы по тому, что снял его Элай Рот — современный мастер жанра, старательно реанимирующий стилистику фильмов категории «В», что у него очень даже неплохо получается. В новом «Мороженщике» Рот ловко перевернул сюжет с ног на голову — маньяком-убийце у него является не продавец мороженого, а дети, вкусившие его продукцию. Детишки превращаются в маленьких монстров, тысячью самых различных способов разделывающих всех взрослых, от своих родителей до школьных учителей.

Собственно, в этом тоже нет ничего нового — даже неискушенный зритель тут же вспомнит «Детей кукурузы» Стивена нашего Кинга, а искушенный назовет так же неоднократно экранизированный роман Джона Уиндема «Кукушки Мидвича». Однако, фильм Рота отличается от них тем, что он, как всегда, воспроизводит стилистику классических слэшеров, выводя их на новый, современны коммерческий уровень.

Большая часть хронометража фильма посвящена именно картинам расправы детей над взрослыми. Тут Рот отрывается вовсю — в выдумке ему не откажешь, — не забывает и о черном юморе, он, однако, не позволяет фильму скатываться в полную чернуху. Ну, а поскольку Рот и сам исполняет одну из ролей в фильме, он не отказал себе в удовольствии позволить детишкам поиграть и с его отрезанной головой.

На мой взгляд, фильм очень хорош. Разумеется. он не для всех. Но любителям жанра он, определенно, придется по душе, потому как Роту удалось сохранить то лучшее, что было в классических слэшерах, но одновременно и привнести в них что-то новое.

Новый сольный альбом от барабанщика Queen — само по себе уже чудо распрекрасное! Ну, а плюс к этому, что альбом отличный — без всяких скидок на солидный возраст и звездный статус исполнителя.

В целом, альбом выдержан в излюбленной стилистике Тейлора — это все та же фантастическая эклектика, на которой базировалась магия Queen. Большинство треков с альбома «Violence Insane In A Beautiful World» запросто могли бы стать частью нового альбома Queen, как это бывало со многими песнями Тейлора, без которых сегодня просто невозможно представить дискографию группы — довольно назвать хотя бы «I’m In Love With My Car», которая не только стала одой из самых узнаваемых песен Queen, но и вошла в саунд-треки ряда фильмов. Это, как любит Тейлор, довольно жесткие и агрессивные, но по-своему прекрасные мелодии, некоторые из которых балансируют на грани с хард-роком.

Необычным стало обращение Тейлора к этнике — в ряде треков совершенно отчетливо слышаться африканские мотивы, а в двух последних треках — «Come On Summer (It’s Party Time)» и «A Great Big Beautiful World» -= даже ведущие вокальные партии исполняет Ndlovu Youth Choir.

И, наконец, совершенно неожиданным, во всяком случае, для меня, оказался кавер на одну из лучших песен Джона Леннона «Jealous Guy» — это тот редкий случай, когда чужая перепевка звучит лучше оригинала — хрипловатый голос Роджера Тейлора потрясающе соответствует мотиву и тексту песни.

В общем, замечательный диск, не таящий в себе никаких особенных открытий, однако, дающий слушателям в точности все, что они могли ожидать от Роджера Тейлора, и даже немного больше.